SALUDOS DE FIN DE AÑO dic 2008

Felicidades a todos/as

Es nuestra intencion, seguir entregando cine de la mejor factura que podamos seleccionar.

Para eso les pedimos que nos envien sus opiniones y sugerencias a los correos de los integrantes del Equipo de Cine y a la direccion de cinealternativoviña. Tomaremos en cuenta vuestros consejos.

En principio estariamos partiendo con el Decimo Ciclo el 3er miercoles del mes de marzo 2009. Pero hay aun tiempo suficiente para programar lo que ya tenemos preliminarmente esbozado.

Por ahora, reiterar nuestros deseos de paz y confraternidad en esta Navidad y

de prosperidad y exito apara el año que ya llega.

Un abrazo a todos/as

Cine Alternativo Viña

ver documental ( I Parte ) Historia del cine mudo:http://www.youtube.com/watch?v=jJZFzy9pmZw&feature=PlayList&p=1DFAC8E44B3F0CFA&playnext=1&index=24

Amadeus - miercoles 17 diciembre 19hrs

"Amadeus" de Milos Forman

"Amadeus" (1984) es una obra maestra del cine universal. Dirigida por el gran director checo Milos Forman, la cinta -que ganó el Óscar a mejor película en 1984- está basada, con muchas licencias ficcionales, en la vida del célebre compositor Wolfgang Amadeus Mozart y su rivalidad con Antonio Salieri. La película es una maravilla tanto en guión, actuaciones, música, dirección, fotografía. Y trata, con fina precisión, temas tan humanos como: el talento, la envidia, el amor por el arte (en este caso la música), el trabajo sacrificado del artista, etc. Además, y lo que más conmueve de la película, son los detalles que habitan en esta (toda obra de arte está llena de detalles meticulosamente trabajados y engranados). Uno ve "Amadeus" varias veces y empieza a percibir estos: el humor que existe incluso en los momentos más dramáticos de la cinta (por ejemplo, antes de la muerte de Mozart); las elipsis oportunas; la escena final magníficamente lograda; los cambios en la narración de la historia; datos previos que aportan al desenlace fatal de Mozart; la incorporacion justa de la banda sonora en los momentos mas acertados; los dialogos entre Salieri y su confidente que van mas alla de la narracion de la historia filmica y entran casi en la especulacion filosofica, etc. Pero lo central, es el enfrentamiento entre el bien y el mal, y mas especificamente entre el bajisimo hombre-ser humano y el elevado-dios, entre Salieri mediocre ( hombre ) y Mozart genio ( dios ). Y el hombre-mediocre que mata al dios-genio. "Seré recordado como el santo patrono de los segundones" exclama Salieri en una parte de la obra. Pero en lo inmediato, se impone la mediocridad al talento. Gran cinta que crece , como toda creacion significativa, con el paso del tiempo. Tengamos curiosidad por saber mas de Milos Forman.

ver sinopsis o trailer:http://www.youtube.com/watch?v=qL0D4Buettk

La Boda - miercoles 10 diciembre 19hrs

LA BODA

Dirección: Mira Nair.

País: India.Año: 2001.Duración: 119 min.

Interpretación: Naseeruddin Shah (Lalit Verma), Lillete Dubey (Pimmi Verma), Shefali Shetty (Ria Verma), Vijay Raaz (P.K. Dubey), Tilotama Shome (Alice), Vasundhara Das (Aditi Verma), Parvin Dabas (Hemant Rai), Kulbhuskan Kharbanda (C.L. Chadha), Kamini Khanna (Shashi Chadha), Rajat Kapoor (Tej Puri).

Guión: Sabrina Dhawan.

Producción: Mira Nair y Caroline Baron.

Música: Mychael Danna.

Fotografía: Declan Quinn.

Montaje: Allyson C. Johnson.

Diseño de producción: Stephanie Carroll.

Dirección artística: Sunil Chabra.

Vestuario: Arjun Bhasin.

Sumario: Estamos en Nueva Delhi en donde una familia de clase media prepara la boda de una hija. Gastos, fiestas, ajetreos entre las familias, y un organizador de bodas profesional que más que solucionar complica todo. La futura esposa se casa con su novio desconocido, en una boda arreglada, por que su amante no acaba de divorciarse. *León de Oro del Festival de Cine de Venecia 2001 a la mejor película.

Descripción: El ajetreo de una boda arreglada en la que los novios no se conocen, en una próspera familia de clase acomodada que se mueve entre la tradición y la moda del consumo, unos preparativos aparatosos, la relación entre las familias, las dudas de la novia entre su amante y el novio oficial, algún asunto turbio del pasado...Y es que en el Monzón todo puede pasar. Un retrato de un mundo y una India cada vez más globalizados donde las tradiciones locales y las costumbres importadas se confrontan con resultados insospechados. Y una banda sonora con la música india moderna más exportada.-

ver sinopsis o trailer:http://www.youtube.com/watch?v=nh1nu3HHQo0

Telefono celular - miercoles 3 diciembre 19hrs

Telefono Celular

Director: Feng Xiaogang.

Pais: China, 2003.

Guion: Zhenyun Liu. Fotografia en Color.: Zaho Fei. Musicalizacion: Zhenyun Liu y Cong Su. Montaje: Zhenyun Liu y Cong Su. Edicion: Ying Zhou.

Con: Bingbing Fan (actriz). You Ge (presentador principal), Fan Xu (actriz principal), Gouli Zhang (actor).

Dur: 105 mins.C.: B.

Sinopsis:
Una ácida comedia sobre los modernos teléfonos celulares, mismos que han servido como delatores de la infidelidad de los maridos chinos, por lo que se ha disparado la desconfianza hacia esos pequeños aparatos entre las parejas de los más de 264 millones de usuarios en China.
El actor Ge You interpreta a un presentador de televisión llamado Yan Shouyi (termino similar en chino a "celular"). Este peculiar presentador intenta zafarse de las comprometidas llamadas hechas por amante con la clásica frase "estoy en una reunión". Su situación se complica cuando es abandonado primero por su esposa y descubierto luego por su novia.
Zhenyun Liu guionista del filme perteneciente a lo que podemos considerar realismo chino popular contemporáneo, plantea con esta película la pregunta "¿cuántas de las palabras que pronunciamos cada día son verdaderas; se nos pide que seamos honestos y sinceros, pero a veces no somos capaces de seguir las norma

Libertarias - miercoles 26 noviembre 19hrs

LIBERTARIAS

1936, comienzos de la Guerra Civil Española. María (Ariadna Gil), una joven monja, se ve forzada a abandonar el convento donde se encuentra en Barcelona luego de la llegada de las fuerzas revolucionarias anarquistas. Se refugia en un burdel donde sus mujeres están siendo reclutadas para la organización "Mujeres libres" bajo el mando de Pilar (Ana Belén). Una medium lisiada llamada Floren (Victoria Abril) se les une y todo el pelotón se dirige a Zaragoza, un sangriento campo de batalla.
Libertarias, la más espectacular y épica película española de todos los tiempos, es un proyecto que venía planificando su realizador por casi 20 años. Centrando su narración en un grupo de mujeres que peleó en el conflicto civil español, Aranda agrupa a un extraordinario reparto femenino que le hacen honor a sus fascinantes personajes: Ana Belén en Pilar interpreta a la pura guerrera feminista, apasionada y fiera; Loles León es Charo, la prostituta del corazón de oro; Ariadna Gil es María, la santa inocente. Miguel Bosé es el ex-cura, moralmente confundido. Por último, la inigualable Victoria Abril se adueña de la película como la psíquica que predice el futuro.
Aranda recrea con un realismo muy suyo, no sólo los detalles físicos del conflicto -- las escenas en Zaragoza son unas maravillosas recreaciones bélicas -- sino también los ideales políticos derrotados.
Un clímax apabullante corona esta ambiciosa producción, donde Vicente Aranda logra un verdadero cantar épico sobre la guerra y el papel que la mujer puede, y debería desempeñar en tal evento. Hay momentos en esta obra de los que hasta el propio David Lean estaria orgulloso.

ver sinopsis o trailer:http://www.youtube.com/watch?v=1NLfEnfKBmw

La maldicion de la flor dorada - miercoles 19 noviembre 19hrs

La maldición de la flor dorada

Para quienes hubieran concluido que la maestría del director chino Zhang Yimou (Levanta la linterna roja, Esposas y concubinas) había dado ya el paso definitivo a la comercialización y a la rutina del cine de artes marciales, la cinta más reciente, La maldición de la flor dorada, ofrece una sorpresa estupenda. Persisten en ella, por supuesto, el gusto por la espectacularidad y los decorados suntuosos, y no escasean las embestidas acrobáticas de ninjas invencibles, pero esta vez el director presta una atención mayor al melodrama y a una narración con desenlaces trágicos, muy inspirada en el modelo shakesperiano. Ambientada en el siglo X chino, durante la dinastía Tang, respetando en lo esencial un trasfondo histórico de luchas por el poder y añadiendo fasto y elegancia en un delirio cromático, el también creador de Héroe presenta, como atractivo central, el regreso a su cine de su antigua actriz favorita, Gong Li, quien interpreta el papel de la emperatriz Fénix lentamente envenenada por su marido, el temible monarca Ping (Chow Yun-Fat, El tigre y dragón).
Desde las primeras escenas, Zhang Yimou remite a los ceremoniales rigurosos de la Ciudad Prohibida, con un ejército de doncellas atentas a la menor exigencia de la emperatriz tiránica y ancianos que recorren la ciudad anunciando el nuevo día o la caída del crepúsculo; también, con los primeros signos de desfallecimiento de la bella Fénix, incapaz de vencer una anemia que anticipa una degradación física casi mortal. Hay una historia de venganza imperial que el espectador irá desentrañando lentamente, marcada por el melodrama familiar más desbordado: rencores inconfesables, sospecha de incesto, sordas rivalidades en la lucha por el poder, intrigas palaciegas. La emperatriz Fénix desprecia a su marido, de estirpe menos noble que la suya, y con quien ha concebido dos hijos. El primer hijo de aquél, el príncipe Wan, fruto de un antiguo matrimonio, manifiesta una pasión incontrolable por su bella madrastra. Esta incontinencia precipitará el drama y avivará los apetitos de venganza.
Una vez presentados los elementos básicos de la trama, el espectador podrá abandonarse al disfrute de un espectáculo singular. Zhang Yimou no parece detenerse ante nada, no temer ni lo inverosímil ni lo excesivo, y por momentos sus decorados lindan en lo kitsch por su preciosismo de jardín encantado. En realidad, el mundo refinado de la corte es sólo un contrapunto de la turbiedad y corrupción moral de casi todos los personajes. Es imposible simpatizar con algún miembro de esta familia real, tan disfuncional, tan arrogante y tan cercana al desvarío mental. Alejado de la sobriedad visual y de la contención narrativa del japonés Akira Kurosawa y su relectura de la tragedia shakesperiana que es Trono de sangre, el propósito de Zhang Yimou es encaminar toda su historia a un enfrentamiento final entre los ejércitos (con efectos especiales computarizados), y a sus ingeniosas estrategias de combate, en una épica realmente deslumbrante. Un ejército agresor se asemeja por sus armaduras relucientes, al campo mismo de crisantemos amarillos sobre el que está combatiendo; la sangre derramada tiñe las flores en un alarde de rebuscamiento artístico. La forma pudiera anegar por completo el contenido, reducirlo a mera anécdota intrascendente, de no ser porque a este melodrama familiar, a este culebrón indescriptible, lo animan vigorosamente dos figuras de primer orden. Gong Li concentra en su mirada y sus actitudes cambiantes todo su carácter imperioso, mientras Yun-Fat semeja un ser fantástico en las metamorfosis que con brío impone a su personaje. La maldición de la flor dorada es el refinamiento artístico vuelto espectáculo. Un entretenimiento muy por encima de la rutina hollywoodense.

ver sinopsis o trailer:http://www.youtube.com/watch?v=tyVv8qSTLRQ

Voces inocentes - miercoles 12 de noviembre 19 hrs

VOCES INOCENTES

En 1980 estalló en El Salvador un conflicto agrario que terminó por convertirse en una guerra civil que no cesó hasta 12 años más tarde. Como todas las guerras, ésta estuvo plagada de injusticias. Una de las que se atribuyen al Gobierno salvadoreño es el reclutamiento de centenares de niños para que lucharan en la contienda contra la escurridiza guerrilla de la FMLN. Es un filme que narra la historia de uno de aquellos muchachos que vieron cómo les arrebataban la infancia de la noche a la mañana.La película está basada en la experiencia real que vivió Óscar Torres, que a los 14 años pudo huir de la guerra e instalarse en Estados Unidos. Con el tiempo relató en un guión su propia niñez y se lo ofreció al cineasta mexicano Luis Mandoki, quien asegura que no pudo rechazar la invitación de rodar sobre un tema que, "desgraciadamente, todavía es contemporáneo".Antes de enfrascarse en la producción de Voces inocentes, Mandoki pasó 17 años haciendo cine para Hollywood. Dio con la fórmula de la comedia romántica y consiguió hacerse popular con cintas como Cuando un hombre ama a una mujer o Mensaje en una botella. Pero aunque esa experiencia le permitió curtirse como director, terminó encasillado en el género. "Me pedían una y otra vez que volviera a hacer la misma película".En este nuevo filme ha querido abordar un tema actual. "Algunas ONG estiman que actualmente hay 400.000 niños soldado en todo el mundo y es un asunto del que se habla poco". El primer guión que escribió Óscar Torres sobre su experiencia, sin embargo, no recogía todos los horrores que habían visto sus ojos. "Quería retratar la poesía de la guerra y había eliminado elementos clave", recuerda Mandoki, que se encargó de indagar sobre esos puntos oscuros.En Voces inocentes se han incluido algunos de esos episodios. Su protagonista es un niño que a los 11 años ve cómo su vida se convierte en un juego de supervivencia. Como Torres cuando tenía su edad, vive en una aldea que es parte del campo de batalla y ha de ingeniárselas para huir de los reclutamientos periódicos que realiza el Ejército entre los chicos mayores de 12 años.Debido a la oposición del Gobierno salvadoreño, el filme tuvo que rodarse finalmente en México. "Los militares veteranos no reconocen que el ejército utilizó a niños soldado durante la guerra civil", recuerda Mandoki, "y creen que la película contiene sólo mentiras". No fue el único pero que le pusieron a la cinta. Algunas distribuidoras estadounidenses le sugirieron que eliminara las frases que cierran el filme y que apuntan que los americanos apoyaron en su día al Gobierno de El Salvador. A pesar de estas trabas, Voces inocentes consiguió abrirse paso en las salas y festivales internacionales, y se alzó, entre otros premios, con el Oso de Cristal a la mejor película en el Festival de Berlín.
ver sinopsis o trailer: http://www.youtube.com/watch?v=pz06PdluVQQ

Blade Runner - miercoles 5 noviembre 19hrs

BLADE RUNNER

Título original: Blade RunnerAño: 1982Compañía: The Ladd Company

Director: Ridley Scott

Guión: Hampton Fancher y David Peoples

Reparto:Harrison Ford (Deckard)Sean Young (Rachel)Rutger Hauer (Roy)Darryl Hannah (Pris)Edward James Olmos (Gaff)

Sinopsis:A principios del siglo XXI, la Tyrrell Corporation crearon unos robots virtualmente idénticos a los humanos, a los que bautizaron con el nombre de "replicantes". Los replicantes Nexus 6 eran más fuertes y ágiles que los humanos, y tan inteligentes como ellos, y eran usados como esclavos en misiones de exploración y reconocimiento de otros planetas. Tras un motín durante una colonización, los replicantes fueron declarados ilegales en la Tierra. Para hacer cumplir la orden, se creó una brigada policial especial, las unidades de Blade Runner.

Comentario:

Film basado en una novela de Philip K. Dirk. La película es una de las más populares del cine de ciencia ficción. Aunque al principio obtuvo pérdidas en taquilla, el film se ha ido revalorizando con el paso de los años. Acompañando los maravilosos efectos especiales de Syd Mead, estaba una estupenda banda sonora compuesta por Vangelis. Como curiosidad, las compañías que actuaron como sponsors del film (y de las que podemos ver anuncios durante la película como parte del decorado) sufrieron todas casualmente una crisis finaciera tras el estreno del film.

ver sinopsis o trailer:http://www.youtube.com/watch?v=4lW0F1sccqk

Kagemusha, la sombra del guerrero - miercoles a las 19hrs

KAGEMUSHA

Kagemusha, la Sombra del Guerrero (Kagemusha, Japon, 1980). En el Japón del siglo XVI, un ladrón es salvado del cadalso por su extraordinario parecido físico con el señor feudal de la región, Shingen Takeda (Tatsuya Nakadai, actor que luego protagonizaría para el mismo Kurosawa su siguiente filme, Ran/1985). Para salvar el pellejo, el ladrón de marras acepta trabajar como “kagemusha”, es decir, como doble del señor, sustituyéndolo cuando éste lo considere necesario. Sin embargo, Takeda es herido en combate y antes de morir pide a su corte que oculte su muerte durante 3 años para evitar que todo el clan sea destruido por sus múltiples enemigos. De esta manera, el falso Takeda tendrá que aparecer ante los ojos de todo mundo como el Señor Feudal.
Kagemusha, la Sombra del Guerrero, es una fascinante fábula sobre el poder y su capacidad de atracción y destrucción. Toda la cinta es un ir y venir entre la narrativa estática nipona (típica de un Yasujiro Ozu) y una puesta en imágenes diríase hollywoodense, con cruentas batallas bañadas en sangre, perfectamente montadas y coreografiadas. En este mismo aspecto, hay que tener especial atención en el diseño visual de todo el filme, calcado/homenajeado/plagiado por Francis Ford Coppola –por cierto, productor ejecutivo de esta película junto con George Lucas—en el prólogo de su disparejo filme Drácula de Bram Stoker (1992).
A pesar de que el filme fue escrito por el propio Kurosawa junto a su colaborador habitual Masao Ide, Kagemusha tiene un aire de tragedia clásica, casi shakespeariana: el ejercicio del poder –tema shakespeariano si lo hay-- transforma al ladrón y provoca que actúe impelido por la sombra del verdadero señor ya muerto. La devoción a esa sombra provocará finalmente la destrucción de él y de todo el clan, cumpliéndose así el sino fatal de aquéllos que son incapaces de comprender el poder.
Un filme ya clásico que, en su momento, se convirtió en un éxito inmediato tanto en la taquilla nipona –que siempre desconfió del “occidentalizado” Kurosawa—como ante la crítica y en todo el mundo: Kagemusha ganó la Palma de Oro en Cannes en 1981 y la cinta fue nominada tanto a los Globos de Oro como al Oscar en la categoría de Mejor Filme Extranjero (en los Globos le ganó el espléndido filme de época Tess/Polanski/1979, mientras el Oscar se lo llevó el melodrama ruso Moscú No Cree en Lágrimas/Menshov/1979). Eso sí: de cualquier manera Kurosawa obtuvo el premio al Mejor Director en los BAFTA británicos y Kagemusha fue nombrada como la Mejor Cinta Extranjera en los premios César franceses de 1981.
En todo caso, más allá de premios ganados o no, Kagemusha se muestra, más de 20 años después de su estreno, como una de las obras más perfectas de Akira Kurosawa, uno de los dos o tres más grandes cineastas nipones del siglo XX.

ver sinopsis o trailer:http://www.youtube.com/watch?v=KlcLQho9MpI

http://www.youtube.com/watch?v=Nku-KqtJAcs

Tango feroz - miercoles 22 a las 19hrs

TANGO FEROZ

Este estreno no solo significo el comienzo de una carrera muy fructífera para su director (solo debemos recordar algunas de sus películas "caballos Salvajes", "Cenizas del Paraíso", "Plata Quemada", "El Método", etc.), sino que merco una nueva etapa en la cinematografía nacional, y no solo por su nivel artístico, sino, por que logro ser la película mas exitosa del cine Argentino en muchísimos años, batiendo records de espectadores, que en ese momento del país ni siquiera conseguían las películas de Spielberg (Según lo manifiesta el mismo director en una entrevista).
El filme no contó con una gran campaña publicitaria, lo que se hizo fue ofrecer en diversas universidades del país la oportunidad de ver "Tango Feroz" a mitad de precio para los estudiantes, consiguiendo más de 25.000 espectadores, que con el boca a boca, despertado por el interés del tema que trataba esta cinta, hizo que la gente fuera en masa a las salas de los biógrafos a ver la película. Otro punto fundamental de su éxito, fue la excelente elección de la banda sonora. Quien no recuerda en esa época haber escuchado sonar en todas las F.M., y autos con Pasacassettes, temas como "El Amor Es Mas Fuerte", "Me Gusta Ese Tajo", o estar en una reunión, y al compás de una guitarra canturrear alguna versión de "El Oso" o "Presente".
Son destacables también, algunos momentos casi memorables de esta película, como la escena en que Cecilia Dopazo y Fernán Mirás hacen el amor en una terraza mientras en la calle de abajo es reprimida una manifestación estudiantil, o el momento en el que bailan un tango desnudos los protagonistas, escena que demuestra el fanatismo del director por Bertolucci, y sobre todo por la iluminación y puesta en escena de "El Último Tango en París".
Todo el movimiento que generó esta película, posibilitó que en los años siguientes, el numero de películas nacionales estrenadas se llegase a duplicar (en 1993 se estrenaron 14, 33 en 1995 y 37 en 1996), y nos encontremos con otros éxitos de taquilla, como fue "caballos Salvajes", del mismo Piñeyro. Esta movilización, luego dio lugar para que se produjeran otras cintas, que marcaron un alza importante en la calidad de filmes que se realizaban en el país, y así, empezara a surgir, pocos años más tarde, el denominado "nuevo cine argentino", que se pasearía, como hace unas semanas atrás en Cannes, por todos los festivales importantes del mundo con un marcado éxito.
Esta película, no tan reconocida como tal, es sumamente importante en la cinematografía nacional, no solo por que consiguió una espectacular cantidad de espectadores, reavivando el consumo de filmes nacionales, sino y más que nada, porque abrió la puerta para lo que hoy en día es el "nuevo cine nacional", y su exitosa estética y temática, que triunfa en todos los países. Sin dudas el cine argentino actual no sería el mismo sin la irrupción de Marcelo Piñeyro y su película "Tango Feroz". ( comentario de Alejandro Jozami de Cineclub-Melies.blog )

segmento de la pelicula:http://www.youtube.com/watch?v=JIYAL_bdNiY

Roma, ciudad abierta - miercoles 15 a las 19hrs

ROMA, CIUDAD ABIERTA

Roma ciudad abierta es la primera película del neorrealismo italiano. Una corriente cinematográfica cuyo principal objetivo era mostrar la desgarradora situación en la que estaba sumergida Italia con la máxima fidelidad posible. Con historias muy humanas, sin héroes, sólo hombres que se ven saturados por la situación en la que viven.

Un reparto coral donde se mueven muchos protagonistas que nos va emocionando y atrayendo hacia la trágica espiral de represión, muerte e incertidumbre que se vivía en Roma.

Rodada mientras que aún había alemanes en Roma Rossellini decidió arriesgarse y comenzó a reelaborar el concepto de cine. Utilizando mucho los exteriores, con actores que no eran profesionales consiguió hacer una de las historias más bellas y trágicas de toda la historia del cine.

Esta no es una película sobre la guerra sino de cómo la guerra afecta a las personas que les toca vivirla. Como unos simplemente se limitan a vivir sin más y como otros hacen todo lo posible por luchar siendo conscientes de que tarde o temprano los van a capturar.

No es una película para aquellos a los que no les gusté pasarlo mal y ver las auténticas locuras que se derivan de el absurdo de la guerra. Pero para todos aquellos a los que le cine les guste, a todos aquellos que quieran pasar la raya de las superproducciones actuales y disfrutar viendo películas de verdad se la recomiendo encarecidamente.

ver secuencia de la pelicula:http://www.youtube.com/watch?v=7ZcAWpEUYvE

El viento que agita la cebada - miercoles 19hrs

EL VIENTO QUE AGITA LA CEBADA

El polémico Loach (1936) ha vuelto al tema del IRA (Agenda oculta, 1990) con una obra artística de gran valor histórico y rabiosa actualidad política. Si ayer trató con bastante tino sobre la Guerra Civil española (Tierra y libertad, 1995), hoy habla del eterno conflicto fratricida en Irlanda, acometiendo con menos parcialidad la Guerra Civil (1922-1923) que se dio en ese sufrido país tras la firma del Tratado de Autonomía (6 de diciembre de 1921).

Ambientada entre los años 1919 y 1923, recrea el drama personal de dos hermanos de origen campesino ... El título del filme, The Wind that Shakes the Barley, alude a un verso de una canción del siglo XIX compuesta por Robert Dwyer Joyce, que cantaban en momentos especiales los activistas del IRA o sus simpatizantes.

Como ya ocurrió con la citada Hidden Agenda, en su estreno británico, El viento que agita la cebada fue también atacada por un sector de la crítica oficial: “¿Por qué Ken Loach odia tanto a su país?”, tituló el Daily Mail; mientras The Sun afirmaba que “era la película más pro-IRA jamás filmada”. Más contundente estuvo el crítico del Times de Londres, Tim Luckhurts, que la tachó como “una venenosa perversión antibritánica de la historia de la guerra de la independencia irlandesa”, comparando a sus autores con Leni Riefenstahl.

Ante tales desproporcionados juicios, Loach se defendería así en una entrevista concedida a El Mundo (15-IX-2006). Ésta es la respuesta al periodista Javier Estrada al preguntarle por la opinión de sus detractores: "Supongo que se refiere a los ataques lanzados por la derecha británica más radical, en los que me llegaron a comparar con el nazismo. ¡Si hasta dijeron que había disfrutado promocionando mi película sobre la alfombra roja de Cannes! En serio, si un amigo o conocido mío me dijera esas frases tan terribles, me dolería. Pero que tu enemigo abuse verbalmente de ti puede ser algo hasta positivo. Que tanto Paul Laverty (guionista en este filme) como yo cuestionemos dos hechos fundamentales para ellos. Primero, que el Imperio Británico no fuese una institución de caridad que se paseaba por el globo ayudando a la gente pobre. Y lo segundo, que el problema de Irlanda se derive de la colonización británica, y no de dos bandos irreconciliables porque sí. Parece que si dices esas dos cosas muchos se molestan".

La verdad es que, al contrario del maniqueísmo habitual en otras películas, Ken Loach está aquí muy comedido en sus juicios. Incluso muestra por dentro la división del IRA; ese grupo paramilitar republicano –nacido como Irish Republican Army en 1916, tras la célebre sublevación de Pascua–, que fue evolucionando hacia acciones nacionalistas de carácter terrorista y que después se dividió en diversas facciones, y el cual (como se evidencia en una secuencia del filme) tuvo también planteamientos claramente socialistas.

Por eso, Loach no escatima los excesos de uno y otro bando, sin abusar en la violencia explícita, en un país donde política y familia se confunden, donde ideología y creencias religiosas marcan la vida de unos seres que son capaces de morir y matar por sus convicciones, respondiendo cada cual a su conciencia.

Ken Loach manifestaría tras su Gran Premio en Cannes: "Entender la Historia es algo esencial. Hay quien dice que quien controla el pasado tiene la llave del presente. (...) En realidad, hay mucha gente que, aun sin ser miembros del IRA, puede contar historias sobre dicha organización".

No estamos, pues, ante una película militante de partido, sino más bien ante una obra de reconstitución histórica, que puede molestar por su lucidez de enfoque a tirios y troyanos. Además, obliga a reflexionar al espectador sobre las consecuencias tanto del colonialismo opresor como del nacionalismo más radical. Y no sólo en Gran Bretaña e Irlanda, sino en otras latitudes mucho más cercanas.

(Publicado en FILMHISTORIA )
ver sinopsis o trailer: http://www.youtube.com/watch?v=4oEJBoK73lg
http://www.youtube.com/watch?v=GJyuTI_epsI

La sal de la vida - miercoles 1 de octubre 19hrs

LA SAL DE LA VIDA(Politiki Kouzina)
Grecia, 2003
Dirigida por Tassos Boulmetis, con Georges Corraface, Ieroklis Michaelidis, Renia Louizidou, Stelios Mainas, Tamer Karadagli, Yannis Firios, Markos Osse.
Fanis Iakovides, cuarentón profesor de Astronomía, recibe la noticia: su abuelo, a quien no ve desde hace años, viajará a visitarlo desde Estambul. Este es el punto de partida para que, mediante una serie de flashbacks (recuerdos del protagonista), conozcamos su infancia y adolescencia, intercaladas con los conflictos existenciales a los que se enfrenta en el presente.
Una estructura simétrica y prolija ordena los acontecimientos en tres saltos al pasado que corresponden a sendas comidas: entrada, plato principal y postre (principio, nudo y desenlace). La tensión en Estambul entre turcos y griegos enmarca la vida de la familia Iakovides, víctima de la deportación, el desarraigo y la discriminación; la voz en off del protagonista comenta los sucesos desde su perspectiva: su relación con Saime, una niña turca de la cual está enamorado, las lecciones de su abuelo (que mezclan la "astronomía" con la "gastronomía"), los rituales de la cocina bajo la creencia (que recuerda a Como agua para el chocolate, entre otras películas) de que las especias usadas en la comida pueden alterar un estado de ánimo o profundizar un vínculo (por ejemplo, la canela, se dice, hace que las personas se miren a los ojos).
La figura del abuelo, fundacional en la historia del niño Fanis y su visión del mundo, se vuelve mítica y ausente cuando el resto de la familia debe emigrar a Grecia. Allí toman forma hechos dramáticos (los griegos, en su patria, son tratados como extranjeros indeseables) que no resultan sofocantes ya que todo se cuenta bajo el tamiz del género de la comedia. Por otra parte, el ritual de las recetas tradicionales (con sus efectos casi mágicos) y los simpáticos (y a veces extravagantes) miembros de esta familia griega configuran un tipo de film griego for export, en donde todo tiende a volverse "pintoresco".
Plagada de frases que funcionan como sentencias de vida, la voz en off afirma, ya en la primera escena, que lo que hace diferente a una historia, como a una comida, es su presentación. El director, consciente de esto, otorga a la película una fotografía y una puesta en escena que van de la mano con el tono nostálgico de la historia: predomina el color sepia, y cada encuadre está pensado para conmover al espectador metiéndolo en la intimidad de los personajes o en lo imponente de aquellos paisajes lejanos e históricos que adquieren la apariencia de gigantescas postales de época. Por momentos, el énfasis en lo estético hace que el espectador se de cuenta del universo creado (la sensación de que eso no "sucede" sino que "lo pusieron ahí"), como ocurre con ciertos paraguas rojos que resaltan en medio del gris o con algunos efectos de posproducción que, en lugar de acercarnos a la subjetividad del protagonista, nos alejan de la ficción. Como dicen los personajes de manera recurrente, para saber cocinar hay que saber ocultar algunas cosas; a veces, para hacer una película también.
La ambientación de época está trabajada, como toda la película, prolijamente; también es atinado el casting, que construye una sólida verosimilitud sobre los personajes a través del paso de los años.
La receta recuerda a Cinema Paradiso del italiano Giuseppe Tornatore: su estructura drámatica y temporal, el clima nostálgico evocativo de la infancia, la tierna relación entre el anciano sabio y el niño ingenuo. También en La sal de la vida Fanis debe volver a su ciudad natal como el Ulises que va en busca de su propia identidad. En Estambul encontrará sorpresas, algunos golpes y oportunidades que incluyen el reencuentro con el amor de su infancia. Retomando aquellas enseñanzas del abuelo, el protagonista se planteará la forma de "condimentar su vida"; de darle un sentido a su solitario presente. Sin (intentar) asumir ningún riesgo, la película emociona y hace sonreír; el trasfondo doloroso siempre presente en cualquier tipo de exilio queda "oculto" como las cebollas en la carne asada, según la fórmula tradicional.
Sonia Budassi

ver sinopsis o trailer:http://www.youtube.com/watch?v=r6KHytBysUA

Paraiso ahora - miercoles 24 de septiembre 19hrs

PARAISO AHORA

Dirigida por Hany Abu-Assad, con Kais Nashef, Ali Suliman, Lubna Azabal, Amer Hlehel, Hiam Abbass, Ashraf Barhom.

–¿Y qué sucede después?
–Dos ángeles vendrán por ustedes.
–¿Estás seguro?
–Ya lo verán.
Este diálogo entre los jóvenes que se inmolarán por la causa palestina y el cabecilla intelectual del movimiento, que se escucha casi en la mitad de la película, es medular para demostrar la sencillez y la profundidad con que se pueden construir los personajes, y la inteligencia de un guión que se pregunta por un tema central en la problemática contemporánea (y de siempre) del Medio Oriente.
Si Munich, el blockbuster teñido del típico voluntarismo bienpensante de Spielberg, recurre al pasado para hablar de la judeidad en el presente (y de paso deslizar una crítica tenue y superficial, casi gatopardista, sobre víctimas y victimarios), El paraíso ahora (desde su mismo título, entre irónico y urgente) se nutre de la fuerza de un presente inequívoco y cotidiano para doblar la apuesta y sumergirnos en un mundo de violencia –donde no se pueden equiparar los bandos– que nos permite presenciar la previa –que es también el otro lado– de los atentados que suelen inundar las pantallas de televisión con sus muertes colectivas y anónimas, su sangre inocente derramada y otros costos a pagar.
Said y Khaled son amigos, dos mecánicos palestinos que pasan sus horas sin mayores sobresaltos, compartiendo té y fumatas. Entre ellos aparece Suha, la hija de un mártir reverenciado como héroe nacional, de regreso en su tierra. Pero no habrá tiempo para el romance porque los jóvenes son llamados a cumplir con la palabra prometida y convertirse en hombres-bomba realizando un atentado en Tel Aviv que será el comienzo de una nueva Intifada. Sólo que el plan falla y uno de ellos se pierde, y en esas horas de búsqueda las cosas comienzan a verse desde otro lugar. Con menos certezas (o más seguridad, según el pasado de cada cual), con variaciones inesperadas en lo que a toma de decisiones respecta.
Con gran inteligencia el film va revelando a los protagonistas en sus gustos, sus miedos, sus vidas cotidianas y también, muy lentamente, en los secretos que los impulsan a llevar a cabo semejante acción. Así dejan de ser el Otro, desconocidos, estereotipos vacíos o llenos de ideología de manual, para convertirse en seres de carne y hueso en los que el espectador podrá reflejarse, y a partir de los cuales podrá cuestionar sus propios pensamientos.
Extrayendo lo mejor del documental en las imágenes de un pueblo humillado en el trato de todos los días (los checkpoints que niegan el paso con la sola razón que impone la fuerza), el territorio devastado y en ruinas, los estallidos constantes de las bombas, pero volcándose a la construcción de una ficción sumamente sólida que mezcla toques de humor negro (las filmaciones de los que serían los mensajes póstumos de los suicidas) con la poesía (el ritual de purificación y la última cena –clara representación del cuadro de Leonardo–, los encuentros terminales entre los kamikazes y sus madres) y el suspenso y la tensión (especialmente en los tramos finales), Hany Abu-Assad redondea un film sensible, humano, fuertemente político, claramente ideológico y profundamente ético, siempre lejos de la demagogia, el libelo y el panfleto.
Las razones sentimentales vertidas por los protagonistas, que indudablemente generarán controversias, tienen su contrapartida en alegatos pacifistas (emitidos por Suha) o abstracciones cuasi filosóficas (de los líderes “revolucionarios”) y aunque inclinan la balanza, inevitablemente, hacia un lado, no se fundan en la “relatividad” del lenguaje posmoderno sino en la potencia de una palabra aún moderna (donde la Historia no ha muerto, y los grandes relatos no dejan de asomar). Cómo entender si no el trueque de una vida por la noción de patria, más allá del mesianismo religioso (que acá queda expuesto pero jamás avalado), la creencia en que un acto puede borrar un pasado de culpa social, la necesidad de diferenciar defensa de ataque. Acertadísima y justa la apelación final de esa mirada antes del fundido a blanco.
Una película imperdible. Reflexiva y necesaria. Candente. Una auténtica bomba de tiempo cinematográfica. ( tomado de http://www.cineismo.com/ )

ver sinopsis o trailer:http://www.youtube.com/watch?v=F0uxdK63qxE

http://www.youtube.com/watch?v=Jyz15qG22Ec

Fiesta Patria - martes 16 de septiembre 19 hrs

FIESTA PATRIA


Fiesta Patria: una de las más debatidas en Chile por su trama
La trama tiene que ver con la realidad que vive el país y lo que el pasado ha implicado en la identidad de los jóvenes de esta nación.
El director del largometraje “Fiesta Patria”, destacó la importancia del film por rescatar un pasaje de la historia, mostrando una visión del país que tuvieron, del que tienen y la posibilidad de diseñar uno mejor.
La cinta muestra una reunión familiar organizada por el compromiso matrimonial de los hijos y en donde se dan cita un grupo de personajes con distintas tendencias políticas. Justo antes de que la fiesta llegue a su esperado final feliz, la joven Macarena se entera del secreto mejor guardado de la familia.
“Llevar la historia de un país y las relaciones interpersonales a la pantalla grande, no es fácil. En ella la chica descubre que hay relaciones oscuras entre su padre y su madre, y es allí donde se muestra que la población chilena y los partidos políticos siguen viviendo como ricos dentro de la sociedad” afirmó Vera.
La película es financiada fuera de Chile, con un coproductor peruano, ya que la ley chilena de cine da poco apoyo, la muestra está en que compiten quince y sólo son tres las cintas escogidas, para recibir cien mil dólares. Tal situación pone en evidencia la diferencia que hay en Latinoamérica con respecto a los países que cuentan con industrias destinadas al cine como Argentina, México y Brasil.
En este sentido, Vera considera la producción de rodajes una gran aventura, ya que los inversores de las obras tienen que buscar el sustento en otros países para poder mostrar la realidad, dificultando así, la producción de las cintas.
“Dejé de pensar en ser millonario y famoso, lo hago porque que me gusta el cine, y tengo la oportunidad de expresarme, lo que al mismo tiempo sirve para conocernos y saber quienes somos y sobre todo mostrar la realidad” Añadió el director.
Luis Vera asegura que en Chile hay dos consorcios de periodistas importantes, El Mercurio y La Tercera, lo que constituye un problema porque son los dueños del 95% de la pauta, siendo así los más influyentes en el imaginario colectivo del país.
Lo jóvenes chilenos están sectorizados, a unos les da por evadir y no quieren enterarse de lo que pasó, y otros están considerados como un sector radical, que quieren saber cuáles son las consecuencias de lo que pasa hoy en día, asegura el director.
“Fiesta Patria”, fue ganador del premio TVE en la 54° versión del Festival de Cine de San Sebastián, uno de los más importantes del mundo. Igualmente ha sido muy solicitada a nivel mundial como en New York, Estocolmo, Praga, La Habana, San Diego, Sydney, Venecia, Italia, Suecia, Chicago, Republica Checa, Shangai, Lima, entre otros






TITULO ORIGINAL
Fiesta Patria
AÑO
2006
DURACIÓN
102 min.

PAÍS
DIRECTOR
Luis R. Vera
GUIÓN
Luis R. Vera
MÚSICA
FOTOGRAFÍA
Alfredo García
REPARTO
Adela Secall, Marcela Osorio, Nelson Brodt, Patricio Contreras, Tatiana Astengo, Tiago Correa, Rosa Ramírez, Sergio Hernández
PRODUCTORA
Luis R. Vera Producciones

ver sinopsis o trailer:http://www.youtube.com/watch?v=OLTV4e3_eLM

Salvador Allende - miercoles 10 de sptiembre 19hrs

SALVADOR ALLENDE

"Salvador Allende", de Patricio Guzmán 30/08/2004 - chc Seleccionado a concurso en el pasado Festival de Cannes, este documental podrá verse en la sección Zabaltegi del 52º Festival de Cine de San Sebastián.

Sinopsis: El documental "Salvador Allende" sigue la vida del presidente chileno desde su infancia en Valparaíso hasta su muerte el 11 de septiembre de 1973 tras el golpe de Estado militar, a través de documentos de archivos, álbumes de fotos y entrevistas."Salvador Allende" es una producción de JBA Production (Francia), en coproducción con Les Films de la Passarelle (Bélgica), CV Films (Alemania), Mediapro (España), Universidad de Guadalajara (México) y Patricio Guzmán Producciones Cinematográficas S.L., con la contribución de Centre National de la Cinematographie (Francia), Centre du Cinéma et de l'Audiovisual de la Communauté Françoise de Bélgique, Télédistributeurs Wallons, Eurimages, Conseil d'Europe, Canal+, YLE TV1 Coproductions y WDR-Arte.

Notas del director, por Patricio Guzmán: Salvador Allende marcó mi vida. No sería el que soy si él no hubiera encarnado aquella utopía de un mundo más justo y más libre que recorría mi país en esos tiempos. Yo estaba allí, actor y cineasta. Recuerdo la frescura del aire, la profunda inspiración que nos unía los unos a los otros, y más allá al mundo entero. Filmábamos ese sueño radiante, con lucidez y fervor. Era una sociedad entera en estado amoroso. Me acuerdo del 11 de septiembre de 1973, un día sombrío en que Estados Unidos apoyó y fomentó un golpe de Estado para aplastar la revolución pacífica y democrática que se construía en mi lejano país, Chile, eliminando a su Presidente de la República, Salvador Allende, ese "hijo de p...", como le gustaba decir a Richard Nixon. Yo no olvidaré jamás la brutalidad de la dictadura instalada inmediatamente después durante 17 años… Años de sufrimiento, de muerte, de exilio y de aniquilamiento de la memoria.Ahora es el tiempo para el recuerdo de Salvador Allende, ese hombre atípico, revolucionario y fanático de la democracia hasta el suicidio, por razones históricas, cierto, pero también por su cruel actualidad…

Sobre el director, Patricio Guzmán: Patricio Guzmán nació en Santiago de Chile en 1941. Se sintió atraído por el cine documental en su adolescencia, hacia 1960. En esos años vio algunas películas de Chris Marker, Frédéric Rossif, Louis Malle, etc. Luego estudió cinematografía en el Instituto Fílmico de la Universidad Católica de Chile y, más tarde, en la Escuela Oficial de Cinematografía de Madrid, donde obtuvo el título de director-realizador en 1970.En 1971 dirigió su primer largo documental, "El primer año" (sobre los primeros doce meses del gobierno de Allende), que se estrenó ese mismo año en las salas comerciales de Chile. El cineasta francés Chris Marker, que estaba de paso en Santiago, le ofreció estrenar el filme en Francia y Bélgica. Dos años más tarde, este cineasta volvió a prestar otra valiosa ayuda a Guzmán cuando le proporcionó los rollos de película virgen para filmar "La batalla de Chile" (una trilogía documental de cuatro horas y media sobre el último año de Allende). El rodaje de este filme se prolongó hasta el mismo día del golpe de Estado. A partir de ese momento, Guzmán estuvo preso en el estadio nacional de Santiago por espacio de quince días. Cuando pudo recuperar la libertad se llevó todos los rollos hasta Europa. Allí empezó a buscar, junto con Chris Marker, los medios económicos para montar la película. La ayuda llegó desde el Instituto Cubano de Cinematografía (ICAIC), que mantenía buenas relaciones con Marker. Entonces Guzmán viajó hasta La Habana y terminó la película varios años más tarde."La batalla de Chile" ganó seis grandes premios en Europa y América Latina. Fue distribuida en las salas comerciales de 35 países. La revista norteamericana Cineaste la definió como "uno de los diez mejores filmes políticos del mundo". Después, Guzmán siguió haciendo documentales en España y Francia. En 1987 realizó "En nombre de Dios" (Gran Premio, Florencia 1987), sobre la lucha de la Iglesia católica chilena en favor de los derechos humanos. Entre 1990 y 1992, dirigió "La cruz del sur" (Gran Premio, Marsella 1992), sobre la religiosidad popular en América Latina. En 1995, tocó el turno a "Pueblo en vilo", sobre la memoria histórica de una aldea mexicana. En 1997, el director presentó "La memoria obstinada" (Gran Premio, Florencia 97), sobre la amnesia política chilena. En 1999, "La isla de Robinson Crusoe", sobre la isla chilena del mismo nombre. En 2001, "El caso Pinochet", sobre el juicio contra el ex-dictador en Londres (Gran Premio, Marsella 2001). En 2002, realizó "Madrid", sobre la capital de España, y, finalmente, en 2004, "Salvador Allende", largometraje seleccionado en la Sección Oficial del pasado Festival de Cine de Cannes.Además, Patricio Guzmán es profesor de cine documental en algunas escuelas de Europa y América Latina. Ha sido jurado en numerosos certámenes, y fundador del Festival Documental de Santiago, que realiza con la ayuda de un grupo de jóvenes desde 1997.

Filmografía seleccionada de Patricio Guzmán"Salvador Allende" (2004)"Madrid" (2002)"El caso Pinochet" (2001)"La isla de Robinson Crusoe" (1999)"Chile, la memoria obstinada" (1997)"Pueblo en vilo" (1995)"La cruz del sur" (1992)"En nombre de Dios" (1986-1987)"La batalla de Chile I, II y III" (1973-1979)"El primer año" (1971)Ficha técnica Francia/Chile/Bélgica/Alemania/España/México - 2004Dirección: Patricio GuzmánGuionista: Patricio GuzmánMontaje: Claudio MartínezMúsica: Jorge Arriagada

ver sinoposis o trailer:http://www.youtube.com/watch?v=P9e9anUYesM

Garage Olimpo - miercoles 3 septiembre 19hrs

Garage Olimpo

Año
1999
Nacionalidad
Argentina-Francia-Italia
Estreno
07-07-2000
Género
Drama
Duración
98 m.
ZINEMA.COM
T. original
Garage Olimpo

Dirección
Marco Bechis

Intérpretes
Antonella Costa (María)
Carlos Echevarria (Félix)
Dominique Sandá (Diana)
Chiara Caselli (Ana)
Enrique Piñeyro (Tigre)

Guión
Marco Bechis
Lara Fremder
Fotografía
Ramiro Civita
Música
Jacques Lederlin
Montaje
Jacopo Quadri

Sinopsis

Buenos Aires, durante la dictadura militar. María vive con su madre, Diana, en una gran casa en decadencia que necesita urgentemente ser reparada. Algunas habitaciones están alquiladas y en una de ellas vive Félix, un joven tímido, enamorado de María, y que parece no tener ni pasado ni familia. trabaja de vigilante en un garaje, al menos eso es lo que él dice. María trabaja en un barrio pobre, enseñando a leer y escribir y además es activista de una pequeña organización opuesta a la ferocidad de la Dictadura militar. una mañana, una brigada de soldados de paisano detienen a María ante los ojos de su madre. es llevada al interior del Garage Olimpo, una de las numerosas zonas de tortura usadas por los militares ante la indiferencia e ignorancia general, en el mismo corazón de Buenos Aires. Tigre, encargado del centro, designa a uno de sus mejores hombres para hacer el interrogatorio. Esa persona es Félix, su inquilino.

Referencias
Está dirigida por Marco Bechis y se inspira en su propia experiencia durante la dictadura militar argentina. Ha dirigido varios cortometrajes y el largo Alambrado (1991).
Está protagonizada por Chiara Caselli (Más allá de las nubes, El coyote).
También interviene la francesa Dominique Sanda, protagonista de películas como Novecento y El conformista, de Bernardo Bertolucci o Confidencias, de Luchino Visconti.
Se presentó en el Festival de Cine de Cannes 1999 y consiguió Mención Especial del premio de la juventud.

ver sinopsis o trailer:http://www.youtube.com/watch?v=HBoZiJU2DvQ

El tambor de hojalata - miercoles 27 agosto 19hrs

EL TAMBOR DE HOJALATA

DIRECTOR: Schlondorff, Volker PAIS: Alemania AÑO: 1979 DURACION: 140 min INTERPRETES: David Bennet, Mario Adorf, Angela Wikler

Con una factura de las más depuradas de su filmografía, Voker Schlondorff adapta la novela de Günter Grass “El tambor de hojalata”, en lo que, siguiendo el texto original, entre simbologías surrealistas y documentos reales, no exentos de una cierta ironía, trata de condensar una visión personal de la historia reciente de Alemania.
El eje de la narración es Oscar, un niño, que a los tres años decide dejar de crecer, a la vista del poco halagüeño porvenir que le espera como adulto.
Efectivamente, Oscar nacerá –de una relación de su madre con dos padres– en la época del comienzo del nazismo. Así pues, la negación al crecimiento, se mostrará como el rechazo a transitar por tan nefasto periodo histórico.
Esta rebeldía, que el niño/hombre transmitirá con su constante y crispante aporreo a un tambor de hojalata, continuará hasta que la cordura, al menos aparente, vuelva al seno de su país.
Un film plenamente logrado (así se reconoció en numerosos premios) en las que sus cáusticas metáforas desmontan cualquier hipótesis de purezas de raza o patrioterismos trasnochados.

Ver sinopsis o trailer:http://www.youtube.com/watch?v=Ycey9HsL5EM

Amarcord - miercoles 20 de agosto 19hrs

AMARCORD

Amarcord es una película de Federico Fellini. Con la apariencia inicial de la típica película costumbrista italiana, adquiere pronto una dimensión de ironía, farsa y esperpento.
El título del filme quiere decir literalmente "yo me recuerdo" (es decir "me acuerdo de", "recuerdo") en el dialecto de la Romagna, la región italiana de Rimini, ciudad donde nació Fellini.

Argumento:

Se nos habla, con inteligencia y mordacidad, del inicio en el sexo en unos adolescentes de un pueblecito italiano y de millones de cosas más. Como es característico en el cine felliniano se critica al fascismo, a la iglesia, a la educación de la época, a los pedantes, a los presumidos, pero siempre en un tono jovial y entretenido. Vemos las obsesiones de Fellini en la pantalla: la poesía, la música, el sexo. Los diálogos están llenos de ironía, juegos de palabras, alusiones diversas.
La fotografía en color de Giuseppe Rotunno es muy cuidada y sigue los toques oníricos que tanto le gustaban al director. Reseñable la música de Nino Rota. Los actores, con Pupella Maggio en el papel de Miranda y Armando Brancia en el de Aurelio, muy destacables. Son, como todos los personajes de Fellini, caricaturas vivas. No se pueden olvidar los personajes de "La Gradisca", coqueta de pueblo que sueña con casarse con un príncipe, o "La Volpina", prostituta ninfómana, o todos y cada uno de los profesores con sus manías y paranoias. El grupo de jóvenes protagonista es retratado con cariño y comprensión..

Escenas memorables

La "nevada" en la ciudad costera.
La aparición nocturna del transatlántico "Rex".
La visita familiar a la casa de campo con el pariente que había salido para la ocasión del manicomio y que acaba con él (magistralmente interpretado por Ciccio Ingrassia, pareja cómica de Franco Franchi) subido a un árbol y gritando desesperadamente "Voglio una donna!" ("¡Quiero una mujer!").
El abuelo que, perdido en la niebla a lado de su casa, cree haber muerto ("¿Es así la muerte?").
La escena iniciática con la estanquera.
La "Internacional" sonando desde el campanario.
La conmovedora despedida final con la fiesta de boda en la playa y la música del acordeonista ciego.

Ver sinopsis o trailer:http://www.youtube.com/watch?v=PfscRzRnzvw

Ciudad de Dios - miercoles 13 agosto 19hrs

Ciudad de Dios

Direccion: Fernando Meirelles

Fernando Meirelles, Kátia Lund
GUIÓN
Braulio Mantovani (Novela: Paulo Lins)
MÚSICA
Antonio Pinto & Ed Cortes
FOTOGRAFÍA
César Charlone
REPARTO
Matheus Nachtergaele, Seu Jorge, Alexandre Rodrigues, Leandro Firmino da Hora, Philippe Haagensen, Douglas Silva, Roberta Rodríguez Silvia, Alice Braga
PRODUCTORA
02 Filmes / VideoFilmes. Distribuida por Miramax Films
GÉNERO Y CRÍTICA
Más información
Drama. Thriller. Nominada al Globo de Oro como mejor película extranjera /

SINOPSIS: Basada en hechos reales, cuenta la historia del crecimiento del crimen organizado en los suburbios de la ciudad de Río de Janeiro, desde finales de los años sesenta hasta el comienzo de los ochenta, cuando el tráfico de drogas y la violencia impusieron su ley entre la miseria de las favelas:

FINALES DE LOS 60: “Buscapé” tiene 11 años y es sólo un niño más en Cidade de Deus, un suburbio de Río de Janeiro. Tímido y delicado, observa a los niños duros de su barrio, sus robos, sus peleas, sus enfrentamientos diarios con la policía. Ya sabe lo que quiere ser si consigue sobrevivir: fotógrafo. “Dadinho”, un niño de su misma edad, se traslada al barrio. Sueña con ser el criminal más peligroso de Río de Janeiro y empieza su aprendizaje haciendo recados para los delincuentes locales. Admira a “Cabeleira” y su pandilla, que se dedica a atracar los camiones del gas y hacen otros pequeños robos armados. “Cabeleira” da a “Dadinho” la oportunidad de cometer su primer asesinato. El primero de muchos.

LOS AÑOS 70: “Buscapé” sigue estudiando, trabaja de vez en cuando, y camina por la estrecha frontera que separa el crimen de la vida “honesta”. Dadinho ya tiene una pequeña pandilla y grandes ambiciones. Cuando descubre que el tráfico de cocaína es muchísimo más rentable que el robo se pone a reorganizar su negocio, que pronto florece.

PRINCIPIOS DE LOS 80: Tras unos intentos de robo fallidos, “Buscapé” finalmente consigue una cámara y así hace realidad el sueño de su infancia. “Dadinho” también ha hecho realidad su sueño: a los 18 años es conocido como “Zé Pequeno”, el narcotraficante más temido y respetado de Río. Su palabra es ley en Cidade de Deus. Rodeado por sus amigos de la infancia y protegido por un ejército de niños de entre 9 y 14 años, nadie le disputa el poder. Hasta que aparece “Manu Galinha”. Un cobrador de autobús que fue testigo de la violación de su novia, decide vengarse matando a “Zé Pequeno”. Empieza a correr la noticia y casi de la noche a la mañana un grupo de niños con la misma idea forma un ejército armado. Estalla la guerra en Cidade de Deus. ------------------------------Excepcional e innovadora película brasileña en la que el talento visual está al servicio de una narración densa pero transparente. El director ha absorbido lo mejor del cine americano de los setenta para ofrecernos su peculiar visión de las luchas entre bandas en la favela Ciudad de Dios hace unas décadas. Magistral en casi todos los sentidos, es especialmente admirable el ritmo y el desarrollo de la historia, el soberbio montaje, la utilización de la música y la capacidad para mostrarnos la belleza en medio de lo terrible. Imprescindible verla en cine y en V.O.S. para disfrutarla plenamente. ¿Es posible que no le guste a alguien? (Daniel Andreas: FILMAFFINITY)----------------------------------------"Una película tan terrible como necesaria" (Carlos Boyero: Diario El Mundo)----------------------------------------

ver sinopsis o trailer:http://www.youtube.com/watch?v=JJMOzCpEH1c

Los infiltrados - miercoles 6 agosto 19hrs

Los Infiltrados

En el sur de Boston, el departamento de Policía lucha para desmantelar un círculo de crimen organizado. La clave es acabar con el poderoso jefe mafioso Frank Costello (Jack Nicholson), pero desde adentro de su propia organización. Billy Costigan (Leonardo DiCaprio) es un policía novato y el elegido para infiltrarse en el grupo mafioso. Mientras Billy trata de ganarse la confianza de Costello, otro policía, Colin Sullivan (Matt Damon), escala rangos policiales hasta un puesto en la Unidad de Investigaciones Especiales cuya misión es terminar con Costello. Lo que sus jefes no saben es que Colin trabaja doblemente para Costello, manteniendo al jefe criminal informado sobre todo lo que pasa en la policía. Cada uno por su lado debe apurarse a encontrar a tiempo al soplón que se infiltró en su grupo porque esa es la única manera de salvarse a sí mismo.

Este es en resumen, el argumento de "Los infiltrados", filme que es un "remake" de "Infernal Affairs" pelicula de Andy Lau y Alan Mak del cine de Hohg Kong del año 2002. El gran director norteamericano Martin Scorsese toma este tema y lo desarrolla de modo magistral, imprimiendole el sello que tienen la mayoria de sus filmes: narracion filmica original e impecable, fotografia digna de Michael Ballhaus ( Godfellas- 1990 ), una musica armoniosa con el argumento con mezcla de rock y clasica, y una aguda y descarnada critica al mundo social y politico norteamericano. Esto ultimo con sutileza y hasta un delicado sarcasmo.

En esta oportunidad el tema central es el poder ( como en gran parte de su filmografia ) y la ambivalencia de las relaciones del mundo actual, donde es dificil discernir entre "los buenos" y "los malos". Los jovenes policia y mafioso, infiltrados ambos en un espacio que llega a ser hasta ezquizoide, representan las formas de relacionarse que tiene hoy la actual sociedad ultraliberal en que los respetados financistas, son tan repudiables como el peor de los mafiosos. Con la diferencia que estos ultimos, son al parecer, mas sinceros.

Ver sinpsis o trailer: http://www.youtube.com/watch?v=VqKZ8ARPgC4

Germinal - miercoles 30 de julio 19hrs

GERMINAL

Drama histórico / SINOPSIS:

Superproducción francesa de 1993, dirigida por Claude Berri (la película más cara hasta la fecha en dicho país, con un coste de 160 millones de francos) que obtuvo un gran éxito de crítica y público. Se trata de la versión cinematográfica de la novela de Emile Zola, principal representante del naturalismo francés. Etienne Lantier llega hasta Montsou, en el norte de Francia, donde entra a trabajar en las minas y conoce de primera mano la explotación y miseria a la que los obreros están sometidos. Comprometidos con la causa socialista, ésta les conducirá a una guerra social que al final será sofocada por el ejército tras dejar un triste e inevitable reguero de cadáveres y de excesos por ambas partes en conflicto, tanto obreros como patrones. Los sueldos bajan, de repente llega una inmensa huelga, acapadora y asesina. Pero algo brilla en medio de este fango: el amor que une a Etienne con Catherine. La huelga será dominada por el ejército, pero Etienne se irá con la esperanza en el corazón de que toda esa sangre no se haya derramado inútilmente.

Aca enlace con el director Claude Berri.

RepartoAnny Duperey Gérard Depardieu Jacques Dacqmine Jean Carmet Jean-Roger Milo Judith Henry Laurent Terzieff Miou-Miou Renaud
DirectorClaude Berri
GuionistaArlette Langmann Claude Berri Emile Zola

ver sinopsis o trailer:http://youtube.com/watch?v=_-zr1zIuC3o

9o Ciclo de Cine Alternativo Viña - Segundo semestre 2008

9 CICLO DE
CINE ALTERNATIVO
CINE INTERNACIONAL
EN VIÑA DEL MAR

ORGANIZA:
INSTITUTO ICAL VIÑA DEL MAR
COMISION DERECHOS HUMANOS VIÑA DEL MAR
CENTRO CULTURAL PENSAMIENTO CRÍTICO

LUGAR:
Palacio Carrasco
Libertad 250, Viña del Mar
Días Miércoles, 19:00 horas


PROGRAMA 2º SEMESTRE 2008

FECHA TITULO TIEMPO AÑO PAIS DIRECTOR

30 JUL Germinal 160mn 1993 Francia Claude Berri

6 AGO Los infiltrados 151mn 2006 EEUU Martín Scorsese

13 AGO Ciudad de dios 130mn 2002 Brasil Fernando Meirelles

20 AGO Amarcord 123mn 1973 Italia Federico Fellini

27 AGO El tambor de hojalata 142mn 1979 Alemania Volker Schlöndorff

3 SEPT Garage Olimpo 98mn 1999 Argentina Marco Bechis

10 SEPT Salvador Allende 100mn 2004 Chile Patricio Guzmán

17 SEPT Fiesta Patria 100mn 2006 Chile Luis R Vera

24 SEPT Paraíso ahora 90mn 2005 Palestina Hany Abu-Assad

1 OCT La sal de la vida 108mn 2003 Grecia Tassos Boulmetis

8 OCT El viento que agita la cebada 127mn 2006 Irlanda Ken Loach

15 OCT Roma, ciudad abierta 100mn 1945 Italia Roberto Rossellini

22 OCT Tango feroz 124mn 1993 Argentina Marcelo Piñeyro

29 OCT Kagemusha 162mn 1980 Japón Akira Kurosawa

5 NOV Blade Runner 117mn 1982 EEUU Ridley Scott

12 NOV Voces inocentes 120mn 2004 México Luis Mandoki

19 NOV La maldición de la flor dorada 114mn 2006 China Zhang Yimou

26 NOV Libertarias 125mn 1996 España Vicente Aranda

3 DIC Teléfono celular 107mn 2003 China Xiaogang Feng

10 DIC La boda 114mn 2001 India Mira Nair

17 DIC Amadeus 160mn 1984 EEUU Milos Forman

Patrocinan :

Alliance Française – Sindicato Trabajadores Nº1 Codelco Ventana – 24 cuadros por segundo

Cinema Paradiso - miercoles 9 de julio 2008

Cinema Pradiso

Para los cinéfilos y para los que gustan de ver cine sólo de vez en cuando, Cinema Paradiso es una película que no los va a defraudar, porque son varias historias en una y porque después de verla y comentarla se descubren líneas argumentales que permiten diferentes niveles de análisis.
Película franco-italiana ganadora del Óscar a la mejor película extranjera en el año 1989, gira alrededor del cine y su evolución a través del tiempo.
Es un homenaje al séptimo arte, a sus actores, actrices y directores. También es la vida de Italia en la segunda mitad del siglo XX, mostrándonos unos personajes prototipos del pueblo italiano y la historia de los protagonistas, que establecen de forma simbólica una relación padre-hijo, que suple sus propias carencias afectivas.
Todo está engarzado y adicionado con una cuidada fotografía y con música creada ex profeso por un grande de la musicalización de películas, Ennio Morricone.
Podría hacerse una crítica a la escenografía donde transcurre la vida de los personajes, ya que deja ver claramente que se trata de un pueblo fabricado y poco real. Sin embargo, incluso esta circunstancia puede tomarse positivamente, pues es una alusión a “Cinecittà”, los enormes estudios cinematográficos, fundados en la época fascista, para hacer de Italia una gran productora de entretenimiento para el pueblo.
El personaje central es Totó, un exitoso director de cine y sus añoranzas que son el leit motiv de la historia. La trama lo presenta de niño en la difícil posguerra italiana: huérfano que encuentra en Alfredo, el encargado del cine del pueblo, al padre que lo ama, lo protege en su inocencia, le sirve de modelo y guía, aunque también tiene una faceta de amigo y aliado, que lo prepara y alienta para superarse en la vida.
A través de la relación que establecen ambos personajes en la cabina del cine, se recuerdan películas famosas, pasan por la pantalla rostros y escenas que son clásicas y nos muestran la historia de la técnica cinematográfica, su evolución, sus modalidades, las enormes pantallas para verse al aire libre, las salas de cine de una Italia que se recupera de la guerra, del fascismo y de una situación económica agobiante. Así se refugian en la fantasía de las historias que les cuenta el celuloide.
En la sala del pueblo pasan personajes emblemáticos: el cura que censura “los besos y las escenas escabrosas”, la pareja que se conoce, enamora, cría y ve crecer a sus hijos, el loco del pueblo, los chiquillos embelesados con los héroes, los enamorados, la catarsis personal afectiva que llora con las películas sus propias desgracias, el dolor de la emigración, las diferencias de clase y el nacimiento de la sociedad moderna.
No falta el rico del pueblo, el sucio que escupe refugiándose en la oscuridad, las vendettas y asesinatos, como si la vida pasara no sólo en la pantalla, sino en el salón de cine del pueblo que la contempla.
La película tiene encuadres precisos y una edición impecable, que permite pasar suavemente de las escenas propias de la historia a las imágenes de las películas que conforman las remembranzas del cine.
Son dignas de mención la bella escena, en que Alfredo —para satisfacer la demanda de las personas que no alcanzaron lugar en la sala— proyecta la película sobre las fachadas de las casas de la plaza. Y la transición* memorable: cuando Alfredo pasa su mano por el rostro de Totó niño y nos descubre a un Totó adolescente, que empieza a hacer sus pininos en el amor y en la toma de imágenes con su primitiva cámara de cine.
Cinema Paradiso son muchas películas en una y ofrece una veta pedagógica rescatable para maestros y padres: presenta una amplia gama de emociones, sucesos y temas como la censura, el progreso, la emigración, la relación entre la fantasía y la realidad, etcétera, todos ellos tópicos interesantes para comentar y reflexionar con niños y jóvenes.

El director es Giuseppe Tornatore, cineasta italiano del que hacemos un enlacea su biografia.

ver sinopsis o trailer: http://www.youtube.com/watch?v=wEFugVbzsSo

http://youtube.com/watch?v=LSLZLkcMrHU

Padre Padrone - miercoles 2 de julio 19hrs

Padre Padrone ( Padre patron ) 1977


Padre Padrone se basa en el relato autobiográfico de Gavino Ledda, en la que un joven pastor se libera de la tiranía de su padre que lo arrancó de la escuela, hasta llegar a lingüista y escritor. La película, siguiendo la autobiografía de Ledda, presenta al hijo como objeto, posesión del padre y la relación padre-maestro/hijo-esclavo. «Tu no eres el patrón de nadie», le dice furioso Gavino al padre.
Hay en la película un terrible secuencia en que se muestra al padre entrando furioso en el aula de su hijo y llevándoselo a la fuerza a la montaña para convertirlo en pastor. Es un padre brutal que aterroriza a los otros niños de la clase y al profesor. A los otros niños les dijo: «Hoy le ha tocado a Gavino, mañana os tocará a vosotros».
Con 18 años Gavino dejó a su familia y el campo y se enroló en el ejército. Allí estudió y se licenció como sargento experto en electrónica. En 1961 consiguió terminar la enseñanza media, y entró en la universidad de Roma. Hoy día es uno de las grandes lingüistas italianos, autor de numerosos textos.
[La grandeza de esta película pasa porque el personaje del padre, lo más parecido que se puede encontrar a la figura del oikos despot (padre déspota) de la antigüedad griega, está absolutamente consciente de que no es lo óptimo privar a su hijo de la educación para enviarlo a cuidar ovejas «quieren que entreguemos a nuestros hijos a la escuela obligatoria cuando la pobreza es la obligatoria»].





Dirigida por Paolo y Vittorio Taviani en 1977. Ganadora de la Palma de Oro de Cannes.